SNATCH / CERDOS Y DIAMANTES

La película muestra un gran montaje para filmar escenas tan complicadas como la que se hizo entre el agua, los vehículos, toda la escenografía es estupenda y el manejo de camára para darle un realismo simultaneo a cada escena.

desde el maquillaje muestra que se trabajó en todo lo más minimo para que no cayeran en errores, las luces, los movimientos de camára, cuando mike esta en el ring, los negros en el enfrentamiento por el maletín.

Los escenarios son claros, sin errores en mi parecer, las calles fuerón bien escogidas para las persecusiones y no se ve sobre actuadas las imagenes en los dialogos.

aunque a mi me parecio muy pulp fiction, no es tan complicada al entender su hilo conductor y el desenlace, las tomas eran claras y el montaje hacia que el hilo no se perdiera nunca, fue muy elaborada.

WALL-E NO SOLO PARA NIÑOS

Esta película muestra con música la realidad de cada escena, la banda sonora dio a toda la pelicula una sensación de tranquilidad a pesar de las escenas donde el robot traiciona al capitan, y vemos que al inicio no hay un hilo conductor como si el film estuviera suelto de su eje, y la magia que le ponen al hecho de no haber dialogos solo un compendio de sonidos hasta cuando sale la canción la vida en rosa y las imagenes de un clásico, para mi es una excelente pelicula con un mensaje claro sin tanta parafernaria en sus dialogos para que todo el mundo la entienda.

cada momento tenía una nota musical que enlazaba el momento de la acción, cuando el pega de la nave que se lleva a Eve, y cuando ellos comparten en la nave, todo lleva una música indicado o un sonido clave que atrapa la atención, cada sonido del trabajo de Wall-e cuando compacta la basura, cuando llega la nave, el robot malo, los giros entorno a la planta, la música y sonidos cuando wall-e llega al mundo de Eve, lleno de gente, vehiculos, letreros, lo hace transportarse a ese momento, y siempre enlazando una moraleja sin ser intencional o monotona en su final.

Me agrada lo bien pensada que fué y lo real del robot, manejan las emociones de un niño, pero tambien del adulto sin ser estupida, su contexto inicial me capturo en toda la media hora que pense que no iba para ninguna parte. y la musica, las luces, los sonidos, los dialogos roboticos, son un buen ejemplo de que si se puede hacer excelentes escenas en mudo.

RESCATANDO AL SOLDADO RYAN

La película más premiada en 1998 y hecha por uno de los mejores directores Hollywoodenses, hace que le de peso a este film, ya que desde su inicio lo inquieta a meterse en la historia de un soldado y su visión real de la guerra macabra del 39.

EL Capitán John H. Miller un héroe en toda la película, nos muestra como un ser humano puede luchar por sus metas y ubicarse un objetivo por alcanzar así sea lo último que haga en su vida, como la escena donde llora en la tumba del hombre que lo iba a rescatar a el y el pelotón, aunque para mi la película es muy larga es muy buena ya que juegan con el flashback y la retrospectiva de la audiencia, muchas de las escenas nos muestran diferentes facetas de los personajes y sensibilizan a seguir el hilo conductor como cuando luego de neutralizar unas ametralladoras de los alemanes, les revela que es profesor de literatura en Pensilvania, que por supuesto es un ser sensible que siente que con cada hombre que mata se aleja más de su hogar, que reconoce que la guerra cambia las personas, así como crea camaraderías.

La lealtad que muestra cada compañeros por si mismo y por el otro es un claro ejemplo de una película con moraleja, me gusta el manejo de cámara, los cambios de giro en la historia, aunque es otra película bélica y muy patriótica, trato spielberg de darle su propio sello llamativo de jugar con el pasado y el presente, la actuación de Tom Hans como siempre impecable y el ritmo que lleva la música hace que sea una de las mejores en su tema. La fotografía, los desembarcos en Normandía, los uniformes, la utilería, los aviones, las armas, la escenografía hacen que la película se enriquezca en todos los ámbitos esta extremadamente bien diseñada y argumentada en su contexto nos deja claro su cronología y el desenlace.

MEJOR IMPOSIBLE

MEJOR IMPOSIBLE

Título original:

As Good As It Gets
Año:1997
Duraciòn:133 min.
Nacionalidad:EE.UU.
Genero:Comedia
COLOR

Melvin Udall es un corrosivo escritor de novelas románticas que sufre un desorden obsesivo que le hace intratable ante el resto de la humanidad. Melvin se enorgulece de su habilidad para molestar, rechazar, ofender y herir a todos aquellos a su alrededor, por lo que no es de extrañar que viva en la más absoluta soledad. Sin embargo, en su vida cotidiana, hay dos personas con las que se relaciona de forma más o menos habitual: su vecino de enfrente, el artista homosexual Simon Nye, y Carol, la única camarera que es capaz de soportar su sarcasmo y malos modales en el restaurante al que acude a comer a diario. Los tres personajes encontrarán de manera fortuita sus destinos entrelazados y descubrirán incluso una oportunidad para ser felices

Reparto:
Jack Nicholson
Helen Hunt
Greg Kinnear
Cuba Gooding Jr.

Dirección:
James L. Brooks

Premios:
Oscar. Mejor actriz 1997
Oscar. Mejor actor 1997


Nominaciones:
Oscar. Mejor guión original 1997
Oscar. Mejor guión original 1997
Oscar. Mejor actor de reparto 1997
Oscar. Mejor película 1997

EL DIRECTOR

James L. Brooks (n. el 9 de mayo de 1940 en Nueva Jersey, Estados Unidos) es un productor, guionista y director de cine estadounidense, principalmente reconocido por su trabajo en la serie animada Los Simpson.
Comenzó a trabajar en televisión, junto al productor de documentales David L. Wolper, como aprendiz en el noticiero de la CBS. En 1969 realizó la serie televisiva Room 222. Asociado con el escritor Allan Burns, produjo, entre 1970 y 1977, el exitoso Mary Tyler Moore Show, un programa que ganó numerosos premios. En TV, fue responsable de comedias como Cheers y Taxi. También fue el productor y guionista de Tres no hacen pareja (Starting over, 1979) y trabajó ocasionalmente de actor en films como Albert Brooks's Real Life (1979).
En 1983 dirigió un éxito al gusto de la Academia de Hollywood y se llevó varios premios con La fuerza del cariño (Terms of Endearment). En 1987 dirigió Al filo de la noticia (Broadcast News), después de lo cual se dedicó a producir comedias como Quisiera ser grande (Big, 1988), Say Anything (1989), y Jerry Maguire (ídem, 1996), ambas de Cameron Crowe.

OTRA HISTORIA DE AMOR...PERO BIEN CONTADA

La película es una creación inteligente del cine dramático-cómico haciéndonos involucrar en un guión psicológico, donde se maneja un humor negro interesante, donde cada personaje tiene su detonante y punto de giro dentro de las escenas, como las que se ven en la cafetería a donde va todos los días Melvin Y conoce a Carol, desenlazando situaciones coherentes y llamativas para el espectador, la actuación de Simón un homosexual que hace que la historia sea llamativa, cómica, hace ver diferentes facetas no cursis de los lgbt.

La película aunque no tiene muchos escenarios, si tienes una excelente fotografía, vestuario, paisaje, aunque lo verdaderamente fascinante es el mundo que cada personaje hace en su actuación y que involucra plenamente la atención a la historia, ya que su actuación es muy limpia y natural. Aunque hemos visto muchas películas de Jack Nicholson, esta en especial lo hace autentico, no se ve una copia de otra, sino que su interpretación le da color y lógica a una historia común que quizá si hubiese tenido otro actor no le hubiera dado un giro tan inteligente a otra historia de amor

DELICATESSEN

Esta película me agrado mucho por lo poco común del tema, tiene un contexto lógico que cabe en lo psicológico y desnaturalizado de la sociedad, me impacta desde su inicio cuando en la escena donde pignon llega a un pueblo desconocido, donde su época incierta , va empujando a un taxi con sus enseres cargados; y el taxista utiliza como moneda de cambio los zapatos desgastados del mismo Pignon muestra un cine extraño , que limita con el surrealismo y que muestra una visión macabra de una cadena de hechos, hurgados por ese humor analítico de alguna forma.
Me gusta la fotografía, la música, el color rojo y marrón que le da un paralela al tema central y sangriento de la película, toda la trama encadena una acción, donde todo puede pasar y la duda incrementa en cada escena, todo causado por la miseria y la pobreza de no lograr conseguir alimento.
La escena donde julie le invita a tomar té y hace todo un monologo de su cita y la música que ponen en cada momento, o todo el entorno que da el payaso cuando sube al territorio del carnicero y la ansiedad que se genera, esos manejos de cámara que ayudan a desarrollar dentro de la trama más impacto y genera hasta sentimientos como si se percibieran los olores del lugar, también se ve como todos los personajes no solo los principales juegan un papel importante sino también los secundarios entran en la trama sin dejar cabos sueltos de la película.

Todo esta tan bien concatenado dentro de la música, fotografía, escenografía, diálogos que me cautivo desde el inicio y quedarme mirando lo extraña de la historia y los bajos instintos a los que podemos llegar los seres humanos, ya que la película toca todos los temas, hasta el sexo dentro de un cuadro deprimente y vacio.

300

300

Esta historia muestra el avance tecnòlogico y la mezcla de ingenio, creatividad, tecnica, en el desarrollo de una historia griega, con el arte futurista en la que envuelve al espectador, el manejo de fotografia es excelente, impecable, auque me parece en algùn momento como si estuvise participando de un juego de video o en un mundo no identico de un comic, haciendo que me salga de la realidad y viendo una realizaciòn totalmente computarizada, se me pierde el sentido de la interpretaciòn actoral, aunque las mezclas de mùsica, fotografia, movimientos de càmara, la hacen muy interesante.

El maquillaje, vestuario da un perfecto reflejo de la sintonia que tuvieròn con cada personaje, el manejo del 3D, es sorprendente aunque hay mucha perfecciòn para mi gusto.
La escenografia artistica me parece excelente, aunque los dialogos, simples, opacan toda la pelicula y utilizan la mujer para darle un giro, pero siento que màs allà de la belleza que manejan tanto hombres como mujeres, queda un gran vacio, y es como una contraparte de imágenes que se ven en la pelìcula gladiador.

PULP FICTION

PULP FICTION

Este film, muestra la lucha en las calles, por las drogas, la violencia, problemas pasionales, humor, donde sus protagonistas se entrelazan en una continuidad de historias, con múltiples complejidades, donde cada escena pareciera un capitulo aparte de la historia inicial, pero en realidad están tan conectadas entre si, que le da un toque diferente y dualista, ya que las parejas dan la acción a la trama, nunca están solos. Dándole al espectador que interprete el significado de dicha acción, aunque es un mundo muy compacto, donde solo se ve la traición y la lealtad como tema protagónico en el desarrollo de la película.

Los diálogos usados por el director son capaces de hacer que la película se enriquezca literariamente, a pesar de que son temas comunes, hace que las atmósferas lleven a la contemporaneidad de la época, donde los iconos de la cultura popular como Mac Donalds, Coca-Cola, etc, se usan como un artificio más dramático. El tiempo dentro de las escenas genera que el espectador valla ordenando las pistas o el rompecabezas que se dan a través de la película, llegando a que el mismo salga del laberinto. La música ayuda al director a romper con el orden del tiempo, saliéndose de las reglas que siempre se ve con otras películas, todos sus personajes se entrecruzan y aunque son historias paralelas llevan un mismo inicio-nudo y desenlace, solo en la cuarta parte se ve un introducción o síntesis del film, donde cada personaje tiene un rol protagónico.

El protagonista en la primera escena (Vincent Vega, un mafioso de la banda de Marsellus Wallace), él y su compañero de fechorías, Jules Winffield, llegan a una casa para recuperar el maletín de su jefe, Wallace. Durante el trayecto en coche, ambos hablan de la mujer de Wallace, Mia, puesto que a Vincent quien ha sido encargado del duro trabajo de cuidarla.

Toda la película girará en torno a la cita que Vincent tendrá con Mia. Desarrollando la trama de la historia. Aunque la tercera parte se hace un relato independiente, pero su ubicación temporal dentro del film sirve para atar cabos de las circunstancias no explicadas de los capítulos anteriores, como tiempos detenidos o elipsis temporal; en la primera historia, tras la matanza en el piso (escena en la que Vincent y Jules van con traje de chaqueta), aparecen en el bar de Wallace con ropa de playa, lo que indica que se ha producido una elipsis temporal. En la tercera historia se resuelve el enigma de por qué en la primera historia, los mafiosos aparecen vestidos ridículamente con ropa de playa.

Como introducción y síntesis encontramos la historia de los atracadores Pumpkin y Bunny. Como introducción se presenta a ambos hablando en la cafetería de cometer un robo, se deciden a hacerlo, levantan sus armas y comienzan el atraco. En este instante se corta la escena, la imagen queda congelada y se sobreimpresiona el primero de los títulos de crédito. Aunque esta es la dinámica de la película, el desorden y el caos. El caos también aparece reflejado a través de la banda sonora, pues ya en los títulos de crédito se nos muestra una música cuyo ritmo es desenfrenado, como serán todas las historias del film. Como síntesis, en la última escena aparecen Jules y Vincent desayunando en la misma cafetería que los atracadores, entonces se produce el atraco y Jules se enfrenta a ellos y finalmente los deja marchar.

Todo el dramatismo que le da tarantino a la película, es un juego para mostrar lo que viven sus protagonistas, la fotografía cumple un papel relevante dentro de la misma. Los diálogos, la composición del encuadre, la iluminación o los movimientos de cámara pretendieran no restar atención a lo que se dice o hace en la pantalla. los movimientos de cámara, en las escenas de violencia están decididas con el mismo nerviosismo con el que se mueven los personajes, hasta el punto de que la elección de la cámara en mano, que difumina los encuadres y personaliza al narrador implícito, convierte al espectador en un personaje más. Maneja mucho el plano y contraplano en las escenas habladas, también hay tomas fuera de campo en algunas secuencias no se ven muchos efectos especiales.

CIUDADANO KANE

CIUDADANO KANE

Citizen Kane
Título Ciudadano Kane

CitizenKaneTrailer.jpg
Ficha técnica
Dirección Orson Welles
Producción Orson Welles
Richard Baer
George Schaefer
Guión Herman J. Mankiewicz
Orson Welles
Música Bernard Herrmann
Fotografía Gregg Toland
Reparto Orson Welles
Joseph Cotten
Everett Sloane
George Coulouris
Dorothy Commingore
Ray Collins
Datos y cifras
País(es) Estados Unidos
Año 1941
Género Drama
Duración 119 minutos
Ficha en IMDb

LA VIDA REAL… EL PERIODISMO REAL

Esta película de orson welles, realizada en el año 1941, muestra los momentos que el ser humano vive como la soledad, aunque pienso que es muy larga y tediosa sin dejar de ser una excelente película, para la época tiene técnicas nuevas haciendo ver la realidad de las escenas más creíble veo que usan una visión periférica o tridimensional gracias a los lentes o los movimientos de cámara que usaron.

La conspiración o trama es asombrosa, como se relatan los acontecimientos desde el fondo de la vida de kane, dando una búsqueda y significado a la palabra “rosebud”, que tiene un gran significado para kane y que los espectadores tendrán que ver hasta el final para lograr entender la importancia de esta para kane, aunque igual siempre será la incógnita que dejará el personaje.
Esta película muestra como el dinero hace de un hombre, un ser déspota, frívolo, calculador, caprichoso, y como va desarrollando su vida en medio de la soledad y la mentira.

las técnicas usadas en la película de orson welles usa todos los recursos en la producción, maneja todos los planos, la profundidad de campo, los movimientos de cámara, la iluminación, continuidad de escenas, duración de tomas, tiene movimientos de cámaras, uso de grúas, como dollys y travellings, y diferentes planos. el desarrollo de luces y sombras, que le da dramatismo las escenas donde están en el castillo, la enorme mansión en la que charles kane, pasa sus últimos años. las sombras son usadas para que las habitaciones del castillo se vean más grandes de lo que son, el manejo de luces, sombras dan grandes angulares. se ven tambièn las contrapicadas; la escena cuando kane esta hablando amigo leland, cuando la crítica de los periódicos de nueva esposa susan, se hacen tomas de contrapicadas, con el personaje, estas tomas generan una sensación de altura y aumento y muestra la fortaleza que puede tener un personaje como kane. se ve la toma tan expresiva con los travellings que se hacen con la cámara como cuando kane baila con las bailarinas. los planos que hacen al vestuario, escenografia, los decorados y todo lo que usan como efectos, mascaras son los movimientos de la cámara siempre están justificados y adquieren valor expresivo por ejemplo, en la escena cuando las bailarinas y charles kane baila con ellas se observa el movimiento de cámara de un travelling.

además de los movimientos y planos de cámara es importante mencionar de los decorados, mobiliario y vestuario del exigente nivel de la ambientación particularmente del castillo xanadu y los abundantes recursos a efectos especiales como máscaras, le dan gran importancia al desarrollo de la historia haciendo más interesante para el espectador ver una película tan completa y llena de momentos y escenas construidas que no dejan huecos visuales en la misma.

CLOSER

CLOSER BY MIKE NICHOLS

Mike Nichols (nacido en Berlín el 6 de noviembre de 1931 como Michael Igor Peschkowsky) es un director de cine norteamericano de origen alemán.

En la segunda mitad de la década de los cincuenta fundó junto con Elaine May, Alan Arkin y Barbara Harris la compañía The Compass, llamada después Second City. En 1960, sus dúos con Elaine May se hacen famosos en los cabarets de Nueva York. Director de escena en Broadway (Barefoot in the Park, The Knack, Luv, The Odd Couple, etc.), se trasladó a Hollywood, donde lleva al cine la obra de Edward Albee, ¿Quién teme a Virgina Woolf? (Who's Afraid of Virginia Woolf?, 1966) con la pareja Richard Burton y Elizabeth Taylor.

Después realiza El Graduado (The Graduate, 1967), película por la que le conceden un Óscar; Trampa 22 (1970) sobre la novela (más bien fábula) antimilitarista de Joseph Heller, y Conocimiento carnal.

Tras los fracasos de El día del delfín (The Day of the Dolphin, 1973) y de Dos pillos y una herencia (The Fortune, 1975), se reorienta hacia la producción para televisión (Family) o el teatro (Annie).

Con la llegada de los años ochenta, regresa al cine con desigual éxito: Silkwood (id., 1983), Se acabó el pastel (Hearfburn, 1986), Desventuras de un recluta inocente (1988), Working girl (Armas de mujer) (1988), A propósito de Henry (1991), Lobo (1994), The birdcage (1996), Amar la vida,(Wit) (2001); Closer (2004); Charlie Wilson's war (La guerra de Charlie Wilson) (2007).

Premios

Óscar

Año	Categoría	Película	Resultado
1993	Mejor Película	Lo que queda del día	Candidato
1988	Mejor Director	Armas de mujer	Candidato
1983	Mejor Director	Silkwood	Candidato
1967	Mejor Director	El Graduado	Ganador
1966	Mejor Director	¿Quién teme a Virginia Woolf?	Candidato

CLOSER

EL LABERINTO DEL AMOR

El argumento esta basado , en las relaciones amorosas de cuatro personajes, cuyas vidas se cruzan entre el deseo, el amor y el juego, con roles demasiado reales y comunes lo que hace que el televidente desde un inicio se enganche en una trama llena de obstaculos y desenlases que hace que la pelìcula sea intensa en momentos en que pareciera decaer.

El director, Mike Nichols, acierta con esta fotografia del falso amor, o amor entendido a la manera contemporaneo y cosmopolitan de hoy en dìa, que no hace sino mostrar una realidad del amor hueco del siglo XX Y XXI, propio de seres egoístas y vanales, que no encuentran su sitio en la sociedad que les rodea, donde la inseguridad sentimental que sufren, dibujan diálogos que hacen de Closer y de sus personajes, una interesante película, que permite hacer una introspección psicoanalítica al espectador, confrontandolò con lo que vivimos y que muchas veces ocultamos.

usa bastantes "primeros planos" la vida ocasional de cuatro personas emocionalmente inestables, llenos de confusión y desorden emocional, que provoca, como no puede ser de otra manera, que los personajes se hieran y se quieran dentro de un modo tan fácil como difícil, entrelazando situaciones, lugares y momentos en el desarrollo de cuatro historias que nos muestran buena actuaciòn, sonido, vestuario, escenografia. Los cuatro personajes son auténticos seres humanos, cuya crudeza humana radica en sus instintos, sexuales y violentos, en el caso de los personajes de Jude Law y Clive Owen.

las actrices, Law y Roberts encarnan a los personajes menos sinceros y más falsos.
Por otra parte Owen y Portman se meten en la piel de los personajes con instinto y fuerza dramática, que sólo buscan amar y ser amados, pero sin caer en el gran amor, sólo en amores simples, su actuaciòn y desenlace muestran el zenit de la pelìcula, dejando ver lo màs sensible de la historia.

Closer, muestra esas relaciones que muchos vivimos y otros anhelamos cuando deseamos tener a alguien que nos ame y nos demuestre su interes, y todo lo tragìco y cinico que traen muchas de estas relaciones, la historia esta bien contada de los fracasos y aciertos sentimentales de nuestra vida y de lo que urbanamente vivimos.

La película no decae en ningún momento, mantiene un ritmo narrativo intenso, con diálogos fuertes y muy cinematográficos, su desenlace es justo e implacable.

MICHEL GONDRY-DIRECTOR

Su carrera como realizador comenzó con la dirección de vídeos musicales para la banda de rock francesa Oui Oui, de la cual era también baterista. El estilo de sus vídeos llamó la atención de la cantante Björk, quien le pidió dirigir el vídeo para su canción Human Behavior. Esta colaboración se extendería bastante tiempo, con Gondry dirigiendo un total de siete vídeos musicales para Björk. Otros artistas con quien Gondry ha colaborado en más de una ocasión incluyen a The White Stripes, Radiohead, The Chemical Brothers y Kylie Minogue. Gondry también ha creado numerosos comerciales de televisión, siendo uno de sus más famosos el realizado para Levi's, con el que ganó el Lion D'or en el Festival de Cine de Cannes de 1994. Fue pionero en la utilización de la técnica conocida como «bullet time», utilizada posteriormente en las cintas de la saga The Matrix, notablemente en el vídeo Like A Rolling Stone en la versión que la banda británica Rolling Stones hicieron del tema de Bob Dylan y en un comercial de 1998 para la marca de vodka Smirnoff.

Gondry suele ser citado, junto con los directores Spike Jonze y David Fincher, como representante de la influencia de los directores de vídeo musicales en la cinematografía mundial. "Eternal sunshine of the spotless mind (que es también su segunda colaboración con el guionista Charlie Kaufman) fue estrenada en el año 2004 y recibió numerosas críticas entusiastas. Eternal sunshine of the spotless mind utiliza muchas de las técnicas de montado de escenarios, uso de perspectiva y escasos efectos por computadora, sumado a largas tomas y un tratamiento pictórico de la imagen, herramientas con las que Gondry ha experimentado en sus vídeos musicales.

Su hermano Olivier Gondry también es un director de anuncios de televisión y vídeos musicales TODAS SUS PRODUCCIONES DESPIERTAN GRAN INTERES POR SU ADSTRACTISMO Y MARAVILLOSO INGENIO.

ADAPTATION (EL LADRÓN DE ORQUÍDEAS)

Dirección: Spike Jonze. País: USA. Año: 2002. Duración: 114 min. Interpretación: Nicolas Cage (Charlie Kaufman / Donald Kaufman), Meryl Streep (Susan Orlean / Madre de Orlean), Chris Cooper (John Laroche), Tilda Swinton (Valerie), Cara Seymour (Amelia), Rheagan Wallace (Kim Canetti), Jane Adams (Margaret), John Cusack, Agnes Baddoo, Paul Fortune, Paul Jasmin. Guión: Charlie Kaufman y Donald Kaufman; basado en una obra de Susan Orlean. Producción: Jonathan Demme, Vincent Landay y Edward Saxon. Música: Carter Burwell. Fotografía: Lance Acord. Montaje: Eric Zumbrunnen. Diseño de producción: K. K. Barrett. Dirección artística: Peter Andrus. Vestuario: Casey Storm y Ann Roth. Estreno en USA: 6 Diciembre 2002. Estreno en España: 21 Marzo 2003.

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SINOPSIS

A pesar del éxito logrado con el primer guión que produjo y por el cual recibió una nominación al Oscar, Charlie Kauf-man (Nicolas Cage) está plagado de inseguridades tanto en su carrera como en su vida personal. Cuando es con-tratado para adaptar "El ladrón de orquídeas", un libro acerca del fanático injertador de orquídeas John Laroche (Chris Cooper), Charlie se queda completamente perplejo. Aunque en la superficie el libro trata de las aventuras de Laroche como colector furtivo de orquídeas en los Everglades de la Florida, en el fondo la historia trata del deseo que existe en todos nosotros de experimentar la pasión. Este deseo se ha apoderado de la vida de la autora del libro, Susan Orlean (Meryl Streep), y Charlie se da cuenta de que a él le sucede lo mismo.

UNA MIRADA A LA REALIDAD

Esta pelìcula se parece mucho a una obra teatral, por lo tanto puede ser interpretada en un escenario como tal, cambia el plano general y fijo del teatro por un número determinado de planos con múltiples características que hacen algo más dificil su narración, en el que se hace un diseño visual de cada escena. se puede notar diferentes Tipos de Planos, Descripción de la imagen que aparece en cada plano, movimientos de cámara, o puntos de vista, transiciones entre planosEscena. su sonido, musica, iluminaciòn estàn muy bien dirijidos ya que van acorde con la actuaciòn y el momento narrado.

La cinta reta nuestro entendimiento y nos obliga a plantearnos preguntas acerca de lo que en realidad está ocurrriendo en la película y lo que ocurrió en el mundo de afuera para poder filmar esta realización, pues la historia entremezcla la verdad y la ficción no sólo con situaciones, sino incluso con los personajes.

De este modo nos topamos con que el libro El Ladrón de Orquídeas así como su autora, Susan Orlean son absolutamente reales, así como el hecho de que Kaufman pretendiera adaptarlo en un inicio. Siguiendo adelante, hallamos a Nicolas Cage en el rol de Kaufman y a Merryl Streep en el papel de Susan Orlean, es decir actores interpretando a personajes reales. Y finalmente está Donald, un personaje verdadero dentro de la película, pero que en la vida real es absolutamente ficticio. (Aunque para aumentar la confusión aparece como co-guionista en los créditos de la cinta.)

Una idea muy Spike Jonze/Kaufman.

Kaufman se presenta a sí mismo como un escritor a punto de volverse loco ante la imposibilidad de poder adaptar el libro, mientras que su gemelo, interpretado por el mismo Cage es un personaje plano que vive su vida de la manera más práctica posible y decide volverse escritor justo como su hermano, pero a través de la ruta más ilógica, un curso relámpago de una semana con el guionista Robert McKee (otro personaje real, que en la cinta es interpretado por Brian Cox). McKee será el responsable de hacerle ver a Charlie que hay libros que son estupendos como tales, pero algunos simplemente no pueden ser adaptados al cine.

Hasta aquí la película resulta bastante compleja, pero muy interesante, al hacernos sospechar que como todo escritor, Kaufman en la vida real tiene dos personalidades, actuadas brillantemente en los roles actuados por Nicolas Cage; donde Charlie es su verdero yo y Donald el alter-ego que en verdad quisiera y anhela ser en realidad

se narra la historia del libro El Ladrón de Orquídeas, basado en la relación verídica de la escritora Susan Orlean con John Laroche (Chris Cooper), un fanático conocedor de orquídeas que anhela por sobre todas las cosas en el mundo, encontrar una extraña variedad de flor, la Orquídea Fantasma.

Hacia el final de la película la historia de los gemelos Kaufman, la de Susan Orlean y la de John Laroche se unirán; pero a diferencia de la vida real, todo terminará en una cascada de bizarros acontecimientos que incluyen drogas, persecuciones, infidelidad, sexo, robos y muerte.

Así mismo el climax proviene de una conversación entre los gemelos, donde Charlie recibe una lección de vida, paradójicamente contrario a su resistencia por desarrollar historias donde los personajes resulten victoriosos después de salvar muchos obstáculos y aprendan profundas lecciones de vida, pues según su creencia, ni el libro, ni la vida misma son así, porque la realidad de ambas son como un laberinto.

Adaptation toma su nombre del libro que da origen al desarrollo de toda la película, El Ladrón de Orquídeas, aludiendo a que nosotros, los hombres, así como las orquídeas y cada ser orgánico que habita este mundo, somos tan sólo una consecuencia de un proceso de adaptación; proceso que para los humanos no resulta tan fácil de sobrellevar pues poseemos memoria y nos es difícil desprendernos de tantas cosas a las que nos aferramos, siendo un juego psicologico y llamativo para el que ve la pelìcula, da un ejemplo de libertad y movimiento, dejando una moraleja al que la ve.

CINE Y ALGO MÀS

KNOWING (Presagio)

SINOPSIS

Nicolas Cage en "Presagio", encarna a un astrofísico y padre soltero.

El actor estadunidense Nicolas Cage tendrá que ver por la sobrevivencia de la humanidad en la nueva película "Presagio", una historia que mezcla la ciencia ficción con la fantasía.

En esta ocasión, el histrión ganador del Oscar por su papel en la película "Adiós a Las Vegas", en la que encarnó a un alcohólico suicida, da vida a "John Koestler", un catedrático de astrofísica y padre soltero.

En la historia, "Koestler" decodifica un mensaje de una cápsula del tiempo, que hace 50 años fue enterrada en una escuela primaria por unos niños, objeto en el cual los infantes dibujaron el futuro que ellos imaginaban.



KNOWING


UN FINAL MÀS LÒGICO

esta pelicula tiene su trame en el fin del mundo, dandolè un sentido menos monotono del tema y con un final màs logico e interesante. aunque siento que sigue siendo muy hollywoodense.

La primera hora te mantiene atento a la serie de números que una niña escribió hace cincuenta años y que en esta época, John Koestler (Nicolas Cage) descifra como fechas de eventos catastróficos.

Gracias al uso del GPS (Global Positioning System) y por supuesto a los ” Zuzurradores”(¿qué hubiera sido de la humanidad sin ellos? El filme nos ofrece suspenso y el típico – ¿nos estan vigilando?

Hubiera sido mas lógico que los Zuzurradores hubieran sido fantasmas. No concivo seres tan tontos de llevar rocas negras, vómitar luz, traumar niños, hablar estática y luego ser los héroes de la historia. Sólo Maussan se la cree.

Nicolas Cage vuelve hacer su papel de buscador de la verdad y su cara de shock en momentos críticos, pero falla en el climax cuando tienen que recurrir a la posición fetal para lograr el extra “ponch” que el guión requiere.

Es una lástima que el director tuvo que recurrir a los mismos trucos del genero , solo nos ofrece escenas intensas gracias a la ayuda de sorprendentes efectos especiales y originales diseños aeroespaciales (¡cough! El día que la tierra se detuvo).

Presagio (Knowing)

LA VENTANA INDISCRETA

LA VENTANA INDISCRETA (by. ALFRED HISCHCOK)


SINOPSIS

Un reportero fotográfico (James Stewart), obligado a permanecer en reposo con su pierna enyesada, trata escapar del aburrimiento por su incapacidad, decidi contemplar desde su ventana del apartamento el otro lado del patio. Allí, en ese espacio interior, numerosos vecinos desarrollan fragmentos de sus historias de vida, que el reportero coge sigilosamente con ayuda de sus vinoculares.

A través de continuas y pequeñas acciones, uno de los vecinos (Raymond Burr) lo ve como el reportero mirón en el campo de la sospecha ante la inesperada desaparición de su esposa.

REPARTO

James Stewart Grace Kelly Wendell Corey Thelma Ritter Raymond Burr Judith Evelyn Ross Bagdasarian Georgine Darcy Sara Berner Frank Cady Jesslyn Fax Rand Harper Irene Winston Kathryn Grant Marla English Harry Landers Denny Bartlett Fred Graham Len Hendry Alan Lee Dick Simmons Eddie Parker Mike Mahoney Bess Flowers Barbara Bailey Iphigenie Castiglioni Harris Davenport Anthony Wade Benny Bartlett

Montaje:

Robert Burks

Dirección:

Alfred Hitchcock

Guión:

John Michael Hayes Cornell Woolrich

Música:

Friedrich von Flotow Franz Waxman

Nominaciones:

Oscar. Mejor guión 1954 Oscar. Mejor director 1954

UNA MIRADA MATEMÀTICA A TRAVÈS DE UNA VENTANA La pelicula de alfred hitchcok, nos muestra un desarrollo perfecto, con una pregunta muy bien redactada a la hora de plantearla y filmarla, tiene al espectador a la espectativa de la investigaciòn del asesinato. todo se lleva a cabo en una manzada de apartamento de en el 125 de la calle 9 Oeste, Greenwich Village, al sur de Manhattan, el escenario utilizado genera impacto ya que estan diseñados para tener una vista clara de las situaciones que allì se presentan, ocurriendo en un mismos escenario toda la pelìcula. Algo interesante es ver que los inquilinos nunca se encuentran entre si, excepto por el breve intercambio de palabras entre la escultora y el vendedor al comienzo de la película, Aunque los inquilinos tienen amigos de afuera, ellos son extraños entre si, dice el dueño del perro ahorcado sobre sus vecinos en una de las escenas más dramáticas del filme. .. No es hasta cuando se oye el desorbitante grito, donde se encuentra el perro ahorcado, es allì donde ellos van hacia el espacio del patio, mirando hacia abajo y al centro de atención; las ventanas oscuras muestran al estrangulador del perro y la mujer retirados del grupo. El fumando un cigarrillo resplandeciente en rojo en el departamento oscuro. el manejo de iluminaciòn que se le da a la escena donde, la oscuridad es sin duda de las mejores creaciones en la historia del cine. los movimientos de cámara que exporadicamente se usan, donde hay tomas desde el patio hacia los personajes y desde la perspectiva del perro muerto dandole a la escena una perfecta triangulaciòn y emotividad en los gestos y sensaciones de los personajes hacia la situaciòn, haciendo màs dramatica la escena. el lenguaje manejado es uno de los màs exquisitos, ya que los gestos, las miradas, las bocas, los sonidos, hacen que la historia tenga su propio desarrollo que hace que la atenciòn se centre en el mensaje que su director expone. el vestuario, esta perfectamente elaborado, las plantas, la utileria, todo esta matemàticamente ubicado para generar impacto visual, y duda dentro de la historia. el voyerismo es un tema que se ve muy bien desarrollado, justificandolò como la curiosidad tras el aburrimiento de jeff. su inicio, nudo y desemlace, estan perfectamente construidos, dandole a los cinèfilos una pelìcula, interesante, intimista, clara en el tema.